A Roma con Amor....

Ayer se estrenó en nuestras salas el último filme de Woody Allen. Este director, es uno de esos personajes que logran que o se lo ame o se lo odie. No genera terminos medios. Pero aún así, jamás pasa inadvertido. 

En esta ocasión, deja atrás la medianoche en París para recorrer las calles de la eterna ciudad, como bien aclara el título de la película, hablamos de Roma. Una ciudad donde todo es historia como aclara uno de los personajes al iniciar el relato. "Sentí que la ciudad de Roma se prestaba a una serie de cuentos variados", dice el mismo Allen. 

Una de las maravillas del cine es que, nos permite viajar, no sólo con la imaginación, sino con la vista. Y Woody Allen lo sabe muy bien. No ha dejado un rincón de la ciudad sin mostrar. 

En esta oportunidad, el director y guionista nos presenta cuatro historias que constantemente juegan con la realidad y la fantasía. Exploran la búsqueda del amor y el sexo en sus diferentes variantes y como sólo Woody puede hacerlo. Quien una vez más se ríe de si mismo y hace notar los años de psicoanálisis.No es casual que, el personaje que hace de esposa de él sea una psiquiatra, muy bien interpretada por Judy Davis. Para los nostálgicos, cuentan con una pequeña aparición de Ornella Muti. Y si hablamos de figuras italianas, no podemos dejar de mencionar a Roberto Benigni, quien interpreta a un personaje bastante curioso. Benigni es Leopoldo un hombre común que se volvió famoso de la noche a la mañana y que durante todo el relato él y los espectadores nos preguntamos por qué es famoso. Es famoso porque es famoso, aclara uno de los personajes. Lo más interesante de esta situación es que, Leopoldo desea volver a ser ese hombre común y predecible que sólo su familia conoce pero llegando al final perderá la cordura por recuperar la fama perdida y que la misma fue detrás de otro hombre común que fue por su ropa a la lavandería. 

A lo largo del filme se presentan  escenas con cierta dinámica, en especial al principio, las mismas por momentos parecen decaer y repetír determinados remates que ya son predecibles para el espectador pero aún así siempre hay alguien en la butaca que los hace efectivos, ya que se rié una y otra vez aunque sepa que eso ya se vio en la pelicula. También, se aprecian algunas panorámicas de la ciudad que hacen sentir a uno dentro del Coliseo o arrojando una moneda en la Fuente de Trevi, o descendiendo por las escalera de Piazza Spagna.  La música que se disfruta varía desde "volaré" a fragmentos de óperas. 

Es un filme para disfrutar, disfrutar de Roma ciudad que permite encontrar el amor en sus calles, como sucede en estas cuatro historias que Allen nos cuenta; disfrutar de situaciones graciosas y fantasiosas.

El Especulador, de Balzac...

Anoche pude disfrutar de la obra "El Especulador", de Honoré de Balzac ( a quien se considera el padre de la novela moderna) bajo la dirección de Francisco Javier, quien hace tiempo atrás fue mi profesor en la Facultad. 

Francisco Javier, no sólo se ocupa de la dirección de este magnifico espectáculo teatral sino que, también se encargó de la traducción y adaptación de la obra. 

El director se dio finalmente el gusto de cumplir con su deseo de montar la comedia en Buenos Aires y nada menos que en el Teatro General San Martín y como si esto fuera poco con Daniel Fanego como su protagonista, quien una vez más se luce en escena, demostrando y confirmando el excelente actor que es. A su lado, acompañando de manera impecable la señora Elena Tasisto, retomando a la escena oficial. 

Durante una hora y cuarto, que para mí es el tiempo perfecto para una obra teatral, el espectador presencia un texto dramático maravilloso que provoca risas en más de un parlamento, un vestuario y escenografía más que adecuados para situarlo en el París de 1839. El resto del elenco también ofrece dinamismo a esta comedia que por momentos presenta más de un enredo. 

El espectáculo se desarrolla en la sala Cunill Cabanellas, lo cual me pareció también muy buen acierto, ya que el mismo presenta un escenario bifrontal, debido a que las butacas rodean el escenario, el público se encuentra cerca de los personajes y es un invitado más a este salón del siglo XIX. Lo interesante de un escenario bifrontal, es el juego de miradas, los personajes se ven entre ellos pero en alguna oportunidad la mirada de ellos (como la de los actores) cruza mirada con algún espectador, y al mismo tiempo este choca su mirada con otro espectador ubicado en la sala. Y eso es algo que Francisco Javier sabe muy bien y lo aprovecha a favor del hecho teatral. No por nada, su tesis fue sobre el espacio escénico. 

Y retomando el juego de miradas, si el espectador es uno de esos curiosos y atentos podrá descubrir entre las sobras de la sala la mirada del mismísimo Francisco Javier, que jamás deja de acompañar a sus actores y a su espectáculo.

Les femmes du 6ème étage

"Las mujeres del 6to piso", de Philippe Le Guay es un filme de esos que gusta a las personas que quieren ir al cine para que simplemente les cuenten una historia. Nada de mensajes complejos para quedarse pensando. Es una buena película para entrar a la sala, ubicarse cómodamente y disfrutar de esta simpática comedia.

El relato presenta un contexto conocido, ya que los protagonistas franceses son un matrimonio burgués, formado por Jean Louis Joubert, interpretado por Fabrice Luchini, y su mujer (Sandrine Kiberlain). Este matrimonio no tiene nada de especial. Él hombre de finanzas que se presenta quisquilloso sólo con una cosa: su    gusto por los huevos duros. Su esposa, una mujer que dejo el campo para ser la esposa de Joubert,  y se la pasa todo el día con actividades sociales. ¿Hijos? Sí, los tienen pero en un internado y los mismos aparecerán hacia la mitad del filme. 

Mientras este matrimonio francés  vive en plena paz burguesa, sobre el piso de arriba a ellos vive la alegría española, mujeres que dejaron su país natal debido a la presencia del General Franco. Les dije que el contexto era conocido, ¿cierto? Estas mujeres a pesar de levantarse a las seis de la mañana, trabajar todo el día limpiando casas elegantes, volver a las once de la noche a sus cuartos y convivir cada una con sus penas; aún así no les falta motivo para cantar, bailar y festejar toda la noche. Entre estas inmigrantes y alegres españolas se encuentran las actrices Carmen Maura y Lola Dueñas (si vieron Volver, de Almodovar las reconocerán, ya que   hacían de madre e hija respectivamente) también contamos con la presencia de Berta Ojea, Nuria Solé, Concha Galán y Muriel Solvay. Y no podemos dejar de lado a la argentina Natalia Verbeke (El hijo de la novia) quien interpreta a la nueva criada en casa del matrimonio Joubert, su presencia será clave para Jean Louis. ¿Por qué? Porque María, su nueva mucama será el medio para que su jefe se vea sacudido por la alegría de las mujeres del sexto piso, entablando con ellas un vínculo especial con ellas, descubriendo sentimientos y emociones que hasta el momento no había conocido o no recordaba. 

Claro, que todo no es tan color de rosa y sencillo como parece, pues algo más tiene que existir para que la historia avance. Qué puede ser más que el amor,   para complicar las  cosas y la vida de las personas. 

No sería la primera vez, que alguien que lo tiene todo bajo control, disfruta de su trabajo,  de su buen pasar económico, de su casa ordenada, una esposa elegante, hijos y una vida con su rutina marcada que parece no molestar podría cambiar con la sola presencia de alguien opuesto a uno... ¿Verdad? 

Mala Semilla

No es ninguna novedad que los hijos no vienen al mundo con manual de instrucciones. Tampoco es noticia que, las relaciones padres e hijos son especiales y difíciles. Y si, mencionamos la relación madre - hijo, no debe  existir madre que no confirmé que es un amor extraordinario y complejo de explicar. Desde tiempos remotos se habla, se escribe y se analiza esta clase de amor. Basta con leer Edipo Rey, de Sófocles a las teorías freudianas para empezar. 

"Tenemos que hablar de Kevin", de Lynne Ramsay basada en la novela homónima de la escritora americana Lionel Shriver; plantea la relación conflictiva y perturbadora entre una madre culpable y atormentada que busca en el pasado, en la infancia de su manipulador hijo las respuestas frente a su solitario presente. 

 Tenemos que hablar de Kevin, es un relato cinematográfico que requiere un espectador muy pero muy atento. Desde el inicio del mismo, se presentan varios flashbacks (recurso que se utiliza para llevar las acciones a tiempos pasados) por parte de Eva, madre de Kevin que desde su llegada al mundo se muestra hostil y agresivo, y a medida que crece manifiesta cierta personalidad manipuladora e incluso sádica. 

Eva, es interpretada por la exquisita y maravillosa Tilda Swinton, que desde Orlando hasta nuestros días no deja de sorprender y encantar con sus interpretaciones. Particularmente, en este filme se muestra en todo su esplendor actoral. 

Jasper Newell, el niño que interpreta a Kevin y Ezra Miller, quien es el adolescente a punto de cumplir sus 16 años, momento clave para este drama tan crudo; tanto Newell como Miller no se quedan atrás con sus brillantes interpretaciones. Las miradas de ambos actores cruzadas,cada una en su momento, con las de Swinton, forman una telaraña que atrapan al público a medida que avanza el relato. 

El filme, también cuenta con una banda sonora  magnifica que, desde el principio acompaña cada plano haciéndose complice de cada momento en crescendo de esta asfixiante historia. 

John C. Reilly, es quien interpreta al marido de Eva, padre que consciente a Kevin con regalos y que a pesar de las observaciones de su mujer sobre el joven parece no darse cuenta de nada, ni siquiera sospecha su cruel  y triste final cosa que los espectadores pueden llegar a adivinar una vez que se va acercando el final de la película. 

Una madre que se siente culpable, un sádico hijo y un crimen imperdonable forman el triángulo perfecto para mantener al espectador dos horas frente a la pantalla grande.

Cuando la actriz de reparto gana protagonismo

Si bien el filme, Albert Nobbs aún no se ha estrenado en nuestras salas de cine; este título ya nos es familiar, ya que  su protagonista Glenn Close, ha sido nominada al Oscar por su exquisita interpretación. El filme también ha competido por  el premio a mejor maquillaje; pero ambas estatuillas fueron para La dama de hierro.

Albert Nobbs, es una historia sencilla, tierna y que nada tiene de original, ya que no es la primera vez que el cine nos muestra a una mujer fingiendo ser hombre. En este caso, Glenn Close se pone en la piel de una mujer que por mero instinto adopta la identidad masculina para sobrevivir  en la ciudad de Dublin a fines del siglo XIX, donde la solución para algunos  era emigrar hacia América. 

Nuestra protagonista hace años que trabaja en el Hotel Morrison, lugar donde se aprecia el desfile de interesantes personajes y en especial las penurias de la clase trabajadora bajo una burguesía dominante por aquel entonces en Irlanda. 

Lo que más me intereso de este filme fueron sus actuaciones, es lo que considero de verdad relevante más allá del relato y la historia del mismo. Y hablando de actuaciones, y si bien no puedo quitarle mérito a Close, no puedo dejar de lado a la actriz de reparto, Janet Mc Teer. Reconozco que por esta actriz siento una simpatía particular, ya que jamás me defraudo en alguna de sus interpretaciones; pero en su papel de Hubert Page, no ha dejado de asombrarme. Reconocería el rostro de Mc Teer sin importar la cantidad de maquillaje que usaran para adaptarla a cualquier personaje; pero a medida que el filme avanzaba su interpretación y a pesar de saber que Page es otra mujer que finge ser hombre y que a diferencia del protagonista, está casado con otra mujer de nombre Cathleen, me resultaba difícil no poder ver a la mujer detrás del papel. Es decir, es increíble como la actriz convence al espectador, que es un hombre que se dedica a pintar hogares u hoteles para sobrevivir. No es casual que este personaje, enigmático señor Page, al principio, sea quien descubre la identidad real de Nobbs. Y aunque Page para garantizarle a Albert que su secreto está a salvo con él , muestra su pecho desnudo para que Nobbs y el espectador se enteren de que están frente a otra mujer. El asunto es, que a pesar de que la pantalla muestra marcas de un cuerpo femenino, uno después avanzado el relato ve a un hombre con senos, pero no ve a la mujer. 

El personaje que interpreta Janet Mc Teer por momentos se muestra incluso mucho más difícil que, el interpretado por la protagonista. Y por qué no decirlo también, se gana el protagonismo.

Extrema Sinceridad

Imagino que, a más de uno alguna vez le pasó que estando en una reunión en plena armonía o al menos en aparente armonía y formalidad, cuando todo iba bien a alguien se le ocurre hablar de política o religión y zas todo se pudre. Un comentario tal vez sin mala intención de ofender a nadie termina siendo el detonante para que algo lleve a otra cosa y así una cadena de asociaciones casi sin sentido logra que algunos se insulten o por qué no lleguen a las manos; o sencillamente los integrantes liberen sus miserias y la reunión que tenia como objetivo "pasar el rato" terminé transformando ese día, en el peor día  de tu vida.
Si algo de lo mencionado anteriormente, te ha pasado alguna vez será fácil que recuerdes esas situaciones al ver "Un Dios Salvaje" de Roman Polanski. Filme que adapta la obra teatral de Yasmina Reza, que si viste l Art seguramente este nombre te será familiar, u otras obras de esta autora que han sido de éxito en nuestras salas teatrales.
Un Dios Salvaje, para decirlo de  manera simple, directa y con muy buen manejo de cámara te muestra que en más de una ocasión la sinceridad se vuelve un exabrupto.
Los primeros quince minutos del relato, te hacen preguntarte qué tiene de interesante esta historia; ya que estás viendo a dos matrimonios reunidos en el departamento de uno de ellos tratando de resolver a través del diálogo amigable una pelea que hubo entre sus hijos, qué puede tener de interesante un hecho tan cotidiano y trivial se vuelve a preguntar uno desde la butaca. Sin embargo, en un momento determinado  una de las protagonistas vomita de tal forma que si te estabas quedando dormido te despierta de golpe,  porque justo ahí la narración hace su giro.  Uno de los personajes femeninos vomita literalmente en escena; pero ese no será el único vomito del cual el espectador sea testigo... Detrás de eso, cada uno de los personajes comenzará a vomitar su miseria humana; a tal punto que a medida que avanza el relato te volves a preguntar algo pero está vez pensas ¿cómo terminará esta historia? Es difícil sospechar el final cuando los cuatro protagonistas están constantemente gritandose verdades reprimidas y mostrando lo sobrados de apariencias que están.
En la vida real, en una situación así los invitados se retiraran de la casa, alguno quedará enojado con alguien por una semana o un mes, alguien hará de mediador para que la pelea o discusión finalice pero cuando haya oportunidad quien se quedó con el entripado vuelva a sacar el tema para demostrar que tenía razón. En la vida real, pueden existir varios finales para una situación similar; pero cuando de un mordaz  Polanski se trata es todo un misterio predecir el final. Incluso una vez terminada la película te quedas pensando en si el final fue el final y te preguntas y ahora qué.  O por qué no, empezas a reflexionar en si en todas las familias hay algún Dios salvaje o en si los problemas de los hijos no son en verdad problemas de los padres.

The Artist: El metalenguaje

Es cierto, que como la mayoría ya sabe, "El Artista" de Michel Hazanavicius fue nominada a los premios Oscar y de hecho ganó varios premios incluyendo: mejor actor Jean Dujardin y mejor película. Mi intención hoy es, simplemente confirmar que tiene bien ganado el Oscar en ambas categorías. Aunque, no puedo dejar de mencionar que "La invención de Hugo Cabret", de Scorsese no se queda atrás. Si bien pueden tener ambos filmes muchas diferencias, ambas coinciden en un detalle muy especial. Estas obras hablan del cine, recuerdan el cine y le rinden homenaje. 

Retomando al filme, ganador de este año por la Academia norteamericana, El Artista, es un bello metalenguaje. Es una película que muestra cine dentro del cine y habla ( o grita)  de  cine,  teniendo en cuenta que es una película muda y en un bello blanco y negro. 

Más de uno conoce el dicho que reza, "una imagen vale más que mil palabras" y es muy claro que el director Hazanavicius lo sabe y muy bien. Las imágenes narran sin necesidad de voces, las actuaciones de sus protagonistas son magnificas y merecedoras de aplausos. 

Más allá de su elegancia y al mismo tiempo simpleza, este filme es ideal para nostálgicos y amantes del cine, y por qué no, para aquellos, como yo, que han tenido un contacto especial con el cine silente. Y hablando de silencio, el filme con sus cien minutos de relato, nos recuerda a algunos y nos cuenta a otros, el cine mudo de los años veinte, el paso al cine sonoro e incluso la crisis que pasaron algunos al rechazarlo, así como el personaje de George Valentin ( Dujardin) se niega a aceptar y ser parte del cine sonoro, el mismo Chaplin también lo hizo en su momento. 

Otro detalle que me parece relevante mencionar, ya que no es casual que un Martin Scorsese o Michel Hazanavicius le rindan homenaje al cine, sino que de alguna manera se despiden del cine filmico. Por eso, no me parece gratuito mencionar que, así como Valentin un actor admirado del cine silente en El Artista, le abre camino a la joven Peppy Miller (Berenice Bejo) el cine filmico le está cediendo el paso al cine digital. 

Scorsese familiar

El día que se estrenaba el último filme de Martin Scorsese, me sorprendió la idea de que fuera para toda la familia. Incluso la sala de cine estaba llena de niños, teniendo en cuenta de que están de vacaciones; pero aún así tuve que acercarme al afiche y leer su nombre una vez más porque no lo podía creer. ¿Scorsese familiar? ¿Se estará poniendo viejo? me pregunté. 

Mientras ingresaba a la sala me entregaron los lentes de 3D. Definitivamente, algo estaba pasando.

 Empezó la película. Qué les puedo decir. Si supieran lo que me emocioné, mientras otros reían. Sencillo:  El filme La invención de Hugo Cabret, no es solo una historia emotiva, apta para todo público con algunas escenas graciosas, es más que todo eso, es un homenaje a los pioneros del cine y especialmente al padre del cine de ficción. Así es, estoy hablando del ilusionista Georges Méliès. Volver a ver Viaje a a Luna, que mientras algunos niños de la sala reían al ver ese famoso cohete estacionarse en el ojo de la Luna, yo me emocionaba y recordaba mis primeros años de facultad, viendo una y otra vez los cortos de Méliès y los Hnos Lumiére  que también aparecen en esta película familiar creada por Scorsese.

Yo, ignoro cuántos en la sala esa noche se emocionaron como yo, seguramente alguno lo hizo, tal vez no por los mismos motivos que yo, que hasta mientras estaba atenta a la película pensaba: "ojalá mis alumnos si ven este filme recuerden todo los que les conté y enseñé sobre los inicios del cine". Seguramente, hubo otros espectadores esa misma noche que, se emocionaron con la historia del personaje Hugo o con la historia de ese personaje mayor al cual Hugo le roba determinados objetos para reparar a su muñeco autómata; que de a poco uno con cierto conocimiento previo va descubriendo que ese señor mayor, vendedor de juguetes, es el mismo Georges Méliès.

Gracias Scorsese por  este homenaje a los pioneros del cine y en especial a Méliès que a diferencia de los Lumiére, que si bien asombraron al mundo con su invento y con esa locomotora que parecía salirse de la pantalla, este mago francés fue quien dio nacimiento al cine de ficción. Ese cine,  que la mayoría elegimos para disfrutar en la sala de ensueños. 

J. Edgar... ¿Qué se esconde detrás de un hombre poderoso?

Cuando yo era muy pequeña, las personas mayores solían usar la siguiente frase: " ahh es una película hablada" o  " es una película contada". Alguna de estas frases, usaban los grandes  para referirse a los filmes que utilizaban la técnica del flashback ( recurso utilizado por el cine para llevar las acciones a tiempos pasados, por lo general, por medio de recuerdos del personaje).
El flashback es algo recurrente, y muy bien usado, en el nuevo filme del legendario Clint Eastwood. Así es, estoy hablando de "J. Edgar" protagonizada por un excelente Leonardo DiCaprio, en el papel de John Edgar Hoover, quien fuera el primer Director y líder del FBI desde su creación en la década del veinte, hasta su fallecimiento en 1972.
Para sorpresa de las jóvenes, se encontrarán con un Hoover mayor y muy bien interpretado por  DiCaprio. Este personaje a lo largo del relato,que supera las dos horas, irá contando su propia historia al mismo tiempo que se conoce la del FBI.
A medida que avanza la narración, iremos conociendo cuánto valor tiene el famoso dicho "la información es poder", al igual que la relación que mantiene J. Edgar con su colega más cercano, Clyde Tolson. Además, nos quedará la duda de por qué razón su secretaria personal, la señorita Helen Gandy,  le es fiel incluso hasta el final.
Tampoco podemos olvidar, la interpretación de Judi Dench en el papel de la madre de Hoover, una madre que dejará huellas difíciles de borrar en la vida de su hijo, incluso después de su muerte.

La ayuda

La década del sesenta, pasó hace tiempo y no tanto. Al ver el filme de Tate Taylor, "The Help" o "Criadas y señoras" como se conoce comercialmente en nuestros cines; pensé en cómo muchas veces o la mayoría de las veces, los mandatos sociales y ciertas leyes (algunas injustas y ridículas dejenme decir) pueden influír  tanto en los estilos de vida y comportamientos humanos. 

Las leyes raciales de esos tiempos de verdad que eran estúpidas pero eran leyes y más de uno las cumplía. Pero así fue. Y eso que sólo hablamos de los ´60, ya que podríamos ir hasta la Santa Inquisición y la lista se haría interminable. 

Bien, retomemos nuestro filme "The Help", nombre que también lleva el libro que publica una de las protagonistas donde cuenta historias desde la perspectiva de las criadas negras que trabajan en casas de blancos, criadas que limpian casas, hacen las compras y como si fuese poco, por veinte años, educan a los hijos de las damas blancas y,  una vez crecidos y educados estos niños, se vuelven sus jefes. 

Recordando los mandatos sociales, la joven escritora que vuelve a Mississippi luego de graduarse de la Universidad, es soltera y no usa vestidos elegantes o el cabello batido como las amigas y vecinas que dejo en su barrio; y claro que esto es algo que debe cambiar para su madre y  el resto de las mujeres.  Tanto pesa el mandato del matrimonio, por ejemplo que cuando una de las jóvenes, perteneciente de un grupo social, quedaba embarazada las demás mujeres se veían en la obligación de tener también hijos de manera inmediata. 

Y tanto más peso tenían esas leyes raciales, que cuando una criada se atreve a usar el baño de su jefa no sólo es despedida después de años de servicio sino que es acusada de ladrona con las demás damas de la sociedad ,cosa de robarle la oportunidad de conseguir empleo en otra casa. Estas son algunas de las pequeñas historias que la joven escritora con ayuda de una, primero, y luego un grupo de criadas va redactando en su libro, por  supuesto libro muy escandaloso para la esta sociedad de damas blancas. 

El filme de Taylor, cuenta con dos horas de relato, esto y mucho más.

Es muy posible que todos en algún momento cometamos actos de discriminación; pero luego de ver la película "Criadas y señoras" es posible que tengamos más cuidado. Que la disfruten.

Un momento congelado en el tiempo

Si un árbol  cae en medio de un bosque y nadie lo escucha. ¿Ese árbol existe? Algunos dirán que sí, otros dirán que no; y así podría ser eterna la discusión. La cuestión aquí es, que yo hasta ayer desconocía la existencia de las cuevas de Chauvet ubicadas en el sur de Francia. 

Reconozco que no soy amante de los documentales, pero no puedo negar que el cine nació siendo documental aunque más de uno lo haya olvidado. A pesar de no gustar de ver documentales, bajo la insistencia de que lo viera, lo hice. 

"La cueva de los sueños olvidados", de Werner Herzog es el documental del cual hablo. Lo disfruté en 3D y la verdad debo decir que de una calidad excelente; por hora y media sentí estar dentro de las cuevas (entre nosotros, yo creo que con quince minutos menos sería perfecto) Cosa que no me había sucedido viendo cine de ficción con actores, quiero decir que salvo en cine de animación no he apreciado bien el cine en tercera dimensión. Con el filme de Herzog por momentos parecía que las hojas de los árboles te rozan de cerca, los científicos parecían fantasmas que salían de las butacas para ingresar a la pantalla. Muy bueno.

Herzog logra capturar imágenes de las más antiguas creaciones pictóricas de la humanidad en su entorno natural. Uno puede apreciar dibujos de animales en las paredes de las cuevas,  manos impresas con pintura roja en rocas, seguir huellas de osos y claro sin dejar de lado  el trabajo científico de los arqueólogos.

El documental es excelente,y si conoces algún profesor de historia o de geografía no dudes en recomendarlo. "La cueva de los sueños olvidados" nos permite ser testigos de un momento congelado en el tiempo. De alguna manera, hacemos  un viaje a la prehistoria.

Yo, no tenía ganas de ver el documental y salí muy contenta de la sala. Ojalá ustedes  también.

Algo de ciudad y metáfora más Borges

En el día de ayer, sin tener intención alguna resultó que el arte me encontró a mi. Curioso ¿cierto? Sin embargo, es la verdad yo no buscaba nada en especial, y sin darme cuenta mientras miraba vidrieras terminé en la muestra de pintura y dibujo del Centro Cultural Borges. 
El primer encuentro fue con la obra del argentino Omar Panosetti, la mayoría son dibujos  realizados en tinta, acrílico y esmalte sintético, en varias obras el blanco y el negro están usados como colores. El tema de sus obras es la ciudad, no por nada Luis Felipe Noé, en el prólogo de la exposición aclara que el título que pensó para la misma fue "La ciudad como metáfora". Hay obras de diferentes tamaños; pero el dato anecdótico es que, algunos de los dibujos estaban  realizado en hojas de dibujo, pero esas que uno usaba en el colegio incluso en algunas  se pueden apreciar  los ojales de las hojas como si estas hubiesen sido arrancadas luego de dibujarlas. Es una exposición sencilla pero con mucho concepto, mucha metáfora en términos de Noé. 
Eso sí, si sos de esas personas que al ver una obra tiene  pensamientos como "mi hermana de seis años pinta igual o mejor" te diría que sigas mirando vidrieras, ya que lo importante es el concepto, el mensaje, la metáfora  y eso una niña de seis años no lo puede manifestar y esta no es una diferencia menor. 
Luego si te gusta la fotografía y además,  sos de los que adoran la literatura de Jorge Luis Borges o la detestan (hay que reconocer que Borges ha logrado generar esas pasiones y es lo más interesante de este autor) podes disfrutar de la exposición de Amanda Ortega presentando "Borges Intimo". Hay varias series,  en algunas se puede ver al autor argentino caminando por Florida del brazo de María Kodama muy joven;  también se pueden leer versos muy interesantes entre las fotografías en blanco y negro. 
Sólo vos podes saber si esta oferta, del Centro Cultural Borges, es ideal o no para estas tardes de calor. 

A quién llamar¿as

Ayer por la noche fui al Gaumont, o mejor dicho al Espacio Incaa, aún no me acostumbro a llamarlo así (sepan disculparme) Fui a ver el filme de Martín Viaggio, "A quién llamarías". 

Mientras estaba sentada en la sala, esperando a que la función iniciará, pensé en la pregunta que como toda pregunta pretende una respuesta. Leí el documento de mano, más conocido como el programa, presté atención a la situación que se planteaba en el mismo y sí, yo también pensé "a quién llamaría". Mientras pensaba en una respuesta y seguía esperando a que la película empezará, se me presentó la otra pregunta, la que uno al menos yo estoy más acostumbrada a oír, seguramente ustedes también, esa pregunta es: ¿cuál fue tu momento más feliz? y recordé que por lo general las mujeres que son madres responden de manera estereotipada "el nacimiento de mis hijos" pero por lo general nadie te pregunta a quién llamarías si te llevan preso o si tenes un accidente en la calle. Desde el título la película ya me hizo reflexionar a nivel personal.

Empezó la película. Su duración es corta, dura una hora y cuarto, lo cual para mi eso es ideal. Eso sí, aviso, tiene muchos fundidos (ensambladura entre  dos tomas consistente en el oscurecimiento progresivo de la imagen hasta el negro total) lo cual de alguna manera si bien a mi un poco me cansaron reconozco le dan cierto dinamismo a la película, porque es algo lenta si se presta atención. 

Durante la narración queda claro que el conflicto son esos vínculos que la mayoría del tiempo uno cree que están unidos y no es tan así. El protagonista presenta un análisis y una reflexión acerca de esas relaciones cada vez que enciende un cigarrillo.  La mayoría del tiempo parece comportarse como si "no tuviera filtro", es decir, dice y hace en el momento en que siente las cosas, claro a veces el otro no está preparado para tanta sinceridad y eso, también es algo con lo que hay que aprender a convivir. 

Si vos también te estás tratando de responder "a quién llamarías" en medio de un accidente, de una crisis emocional o por qué no, simplemente de compartir algo, mientras encontrás la respuesta ideal el filme de Viaggio con actuación de Roberto Birindelli, es una buena opción para descubrirlo.

Para mujeres...

La amistad entre mujeres, es un amor que ni las mujeres mismas encontramos el concepto ideal para describirlo; así que, si tenes más de 30 años y  tu vida sentimental es tan dispersa como las compras que haces, al punto tal de que tus gastos innecesarios son mayores que tus ingresos, o si sos una mujer que sentis que haces todo bien pero no decis nada para después echarlo en cara cada vez que algo sale mal o por qué no, una mujer sensible que se siente invisible frente a su marido y que a pesar de ser muy talentosa en su trabajo sólo tolera a un jefe narcisista. Si te sentis identificada con alguno de estos estilos de vida, o alguna de tus amigas se parece en algo a lo que te estoy describiendo; y como si fuese poco estás aburrida y tenes ganas de ver una pelicula, podes alquilar o bajar por internet "Tout pour plaire" (2005) de Cècile Telerman,  el título con que se la conoce en español es ¿Por qué las mujeres siempre queremos más? y sí, es una buena pregunta y tan dificil de contestar como el querer explicar la amistad femenina. 

Es un film francés. Sí;  pero nada de descartarlo porque tenes la idea de que el cine frances es lento, eso es un prejuicio debido a que seguro estás acostumbrada al cine americano que tiene más movimiento así que a no confundirlo con acción. Este film,   "Tout pour plaire" tiene acción tanto en su narración como  en  las magnificas actuaciones de Mathilde Seigner, Judith Godrèche y Anne Parillaud sus protagonistas y los acompañantes masculinos no se quedan atrás. Y hablando de acompañantes masculino, por las dudas advierto no pretendas que un hombre mire la pelicula junto a vos, es posible que se sienta incomodo. Hay mensajes que sólo van dirigidos a las espectadoras no por nada el director de este film es mujer. Que la disfrutes.

Bienvenido y te cuento de que se trata...

Muchas veces, uno lee o escucha por algún medio de comunicación que tal película u obra de teatro, es recomendable. Pero, eso que nos recomiendan, así sea un amigo de confianza, ¿es recomendable para mí? 

Aquí, podrás responderte y saber si lo es, si es recomendable para vos tal película, o alguna muestra de arte, o si mejor le pasas el dato a algún conocido tuyo. 

Yo, te brindare mis perspectivas y vos podrás decidir si, estaría bueno ir a ver aquel espectáculo del cual te hablaron tanto, si esa peli que pensaste en ir a ver la dejas para cuando estés de mejor ánimo, o si cambias tus planes porque te dio curiosidad tal muestra de fotografía.

Te doy la bienvenida a esta propuesta y , ojalá se vuelva tu blog de confianza y lo recomiendes.